인상주의

마네와 손을 잡고 이러한 생각을 발전시키는데 협력한 화가들 가운데 르아브르 출신의 고집센 젊은이, 끌로드 모네( Claude Monet)가 있었다. 그는 친구들에게 아카데믹한 화실을 나와 ‘소재 (소재)’앞에서가 아니면, 단 한번이라도 붓을 휘둘러서는 안된다고 촉구했다. 그는 강 풍경의 효과와 분위기를 탐구할 수 있도록 화실로 꾸민 조그마한 배 한척을 가지고 있었다. 자연을 묘사한 모든 그림은 ‘현장에서’ 실제로 완성되야 한다고 모네는 생각했고 그의 이러한 생각은 습관의 변화를 요구하고 안일한 제작 방법을 거부했을 뿐만 아니라 필연적으로 기법상 새로운 방법들을 낳을수 밖에 없기 때문이다. ‘자연’이나 ‘소재’는 구름이 해를 가리며 지나가거나 바람이 물위에 반사된 그림자를 부서뜨림에 따라 시시각각으로 변한다. 이와같이 대상의 순간적이고 특수한 양상을 포착하려고 희망하는 화가는 과거의 화가들 처럼 색채를 갈색 바탕위에 층층이 칠하는것은 말 할 것도 없고 그러한 색채들을 혼합시키거나 배합시킬만한 여유가 없다. 세부보다는 전체의 일반적인 효과에 더욱 신경을 쓰면서 재빨리 붓을 휘둘러 화폭위에 직접 색채들을 칠하지 않으면 안된다. 비평가들을 자주 화나게 만든것은 이러한 마무리 작업의 결핌, 즉 되는데로인 것처럼 보이는 제작 방식이었다. 마네 자신이 초상화와 인물 그림으로 어느정도 일반 대중의 인정을 받은 후에도 모네 주변의 보다 젊은 풍경화가들의 비 정통적인 그림들은 ‘살롱 (Salon)’ 에 입선되기가 몹시 어려웠다.